Feira de Usados: sobre a História ou sobre a história de Machine Utopia

O Conceito e sua Autoridade Sistemática

crítico sob rasura: Caio Eduardo Gabriel

“Existe maior dificuldade em interpretar as interpretações do que em interpretar as coisas.” Assim começa Derrida o seu A Estrutura, o Signo e o Jogo nas Ciências Humanas. Todo o resto, tudo o que não seja essa intuição, pautada na suspensão total da metafísica, é vítima de alguma ideia de absoluto. Aqui, nem alhures, o leitor terá acesso à coisa, à coisa em-si, à coisa em-si-para-si. Nem terá acesso a um mínimo que seja de Utopia Machine Art Ensemble #0.

Em publicação de 25 de setembro de 2021, na Revista Artecapital, Victor Pinto da Fonseca se pergunta sobre fugas de um Sistema (assim, com caixa alta grafado) que, segundo o autor, tem conduzido - eu penso em inter-ditado - a arte portuguesa desde os anos 80. Tal sistema pertenceria a uma velha ordem, que teria colhido o seu sucesso da falsa sensação de segurança que produz. Essa segurança, por sua vez, se assentaria sobre um ideal, advindo de “reflexos ideológicos” dos anos 80: a arte orientada para ações conceituais. Destacadas as reflexões menos pautadas em historiografias, relevamos dois pontos da geografia desenhada, as que giram em torno do ideal e do conceitual. Trataremos, cuidaremos, com olhos saudáveis, o texto a partir desses dois termos, buscando pisar sobre as superfícies textuais que o autor compõe.

Quando são valorizadas a “verdadeira liberdade dos assuntos artísticos", a crítica “educada para ser passiva” é entendida como resultado de um “controle de certo modo paternalista” que “controla o tempo para legitimar sua obra.” Destacamos todos esses pontos por encontrarmos coerência desde aqueles termos ideal e conceitual até o modo como surgem as críticas expostas ao paternalismo e sua relação com o controle do tempo. Victor enxerga um traçado entre a história do conceito e do sistema e seus mecanismos criadores de poder, expresso pela ideia de pai e de tempo, além de toda a relação de tal constructo com o ideal, com a história da metafísica.

O sistema é um dos nomes, ou resultados, da estrutura, um jogo impensável sem a presença. Define-se esta como um centro caracterizado por, a um passo, ser Necessária à estrutura e ausente dela. Sendo assim, podemos verificar uma constante troca metafórica e metonímica de tais centros; uma imagem recorrente para estes é a do pai, quem diz, delimita, ou inter-dita, o significado das coisas.

Será, portanto, um conceito ou a estranheza do conceito a arte que busque obliterar essa centralidade?

Utopia Machine não tem pai. Se Lacan dispõe o espelho sobre o analisando, aqui há um único espelho, que se produz por coincidência de produtos em um espaço, mas o espelho se estatela em meio à galeria e se multiplica em migalhas poli-refletoras de singularidades múltiplas. Mas pode restar a pergunta: e qual o processo que leva a tal resultado? Portanto: intuímos que seja a exclusão dessa pergunta, por impertinência de suas categorias, a resposta mesma a ela. Explico. O resultado, e todas as suas ideias circundantes ou subordinadas, assim como a pergunta pela origem, deve ser eliminado. A persistência processual parece o caminho de aposta para compor a exposição.

Como lembramos, de uma estrutura, houve sempre o interesse pelo encontro de um centro. É, entretanto, de puras diferenças que ela se forma. Num sistema que oblitera subjetividades - e o que cria o sentido é aquilo em que um valor difere do outro - não há espaço para a estrutura subordinativa.

Esse sistema fluido descreve o modo de funcionamento da língua, para nos fiarmos a algum dado sensível de nosso uso cotidiano (possivelmente até inconsciente.) As distâncias puras, e tão somente, são as criadoras da linguagem, desde a observação de Ferdinand du Saussure, “na língua, só há diferenças.” Longe de qualquer essência, mesmo que ela se encarregue, por motivo da típica insegurança filosófica, de criar mecanismos geradores de realidade, a ilusão do estável, a suposição do organismo gerado pelo pai.

Fantasma Crítico

Fui chamado a participar, sim, de parte do processo artístico. Isso exatamente porque a proposta é que seja sempre processo, jamais produto, jamais possa estar no horizonte ôntico das finalidades - ou finalizações. Isso indica o #0, que compõe o nome dado a determinado encadeamento processual que se faz ver hoje na Galeria Eritage; isso indica o novelo vermelho ao chão, finalizando as pautas de corda vermelha que recobrem uma das paredes expostas, e como que corrompe o fim por meio do indício do resto. Isto que vemos espalhado pela galeria: um conjunto de restos de processo, como se o mecanismo, a estrutura, ou sistema, tivessem abandonado um espaço compondo o que será História, pelas ruínas que revela.

Por tudo isso, também o digo, este texto jamais pode ser um texto crítico. Será sempre um objeto literário que sobrou ao lado daquela civilização arruinada, ou cidade submersa à espera de escafandristas que nada mais poderão obter do que novos estímulos a ainda outras criações; jamais teremos explicações, ou necessidade de complementos, que venham revelar um sentido profundo, obscuro.

Cada etapa do sistema produtivo é o inalcançável que deixa por trás de si um rastro, que não é a coisa em si, nem deixa de sê-la, é alguma coisa que desliza entre o mito e o real como uma segunda oposição, a das categorias da exclusão (nem-nem) e da adição (e-e). Produz-se música, por trás dela rasteja uma pintura, a qual por sua vez devém abandonada em troca de novos sons, num processo em que máquinas se engatam em novas máquinas, sons se desterritorializam em traços e tons coloridos, e se reterritorializam em harmonias e tons audíveis. Quem decide se a verdade da obra está nas composições que somente restam a quem se deixou por elas marcar no dia da abertura da exposição; ou se o alvo do real se encontra no último papel pintado e depositado dentro de uma bolsa suspensa em uma das paredes da galeria? Isso traz nova pergunta, quem assina os trabalhos, se alguns artistas que passaram, deixaram suas pegadas sobre eles, simplesmente passaram e os largaram, como a água que abandona o leite a condensar num galão industrial?

Esses trabalhos, se os encaramos de frente, não têm margens; se nos aproximamos de alguns, vemos exatamente pegadas, não sabemos de quais sapatos - ou seriam tênis, pés descalços? Adquirem sem medo algumas das faces do caos que intuímos quando abandonamos toda metafísica e olhamos os fenómenos sem guarda-chuvas, sem a necessidade da cabana de Descartes em Meditações Metafísicas, largando-nos como as folhas de mais sorte, que não caem em velhos tanques como sapos de haicais, mas se soltam aos sobressaltos de largos rios, e daí aos refluxos do mar.

Isto nunca poderá ser um texto crítico, mas sempre um texto escrito ao lado, mais um resto acumulado que compõe o que chamamos História. Mais um objeto na feira de antigos objetos usados, entre relógios e relíquias.

O Rés, o Raso, o Resto

Nossos gestos são o que resta das nossas obras - ou podemos dizer o contrário? O que se aprofunda, o que se adensa, e resta ao que se esvai, é o que produz História, sem ser, sem centro. Precisamos de epoqué para intuir o mundo da vida. Nem matemáticas, nem geometrias, nem filosofias resistem a uma análise mais rigorosa, mais atenta, eternamente atenta. Após esta, o que resta? Criações e restos, criações e restos, infinitamente criações e restos sobrepostos.

Assim, se compôs a Máquina Utópica - ela mesma, um próprio resto, desde o nome, o que sobrou de uma utopia, do impossível imaginado. Cada tela surge de situações diversas, entre sons e camadas de tinta: as telas acumulam sucessivas pinceladas, sumindo algumas cores, e restando em texturas, enrijecendo a história que contam, desde finos tecidos até se tornarem matéria densa e dura. Passos e poeira compõem a proposta. Uma partitura de linhas pregadas na parede e sacos pintados foi tocada em algum momento, agora balançam à brisa do tempo como roupas em um varal de alguma cidade abandonada. Tintas sobre papeis se acumulam em uma sacola, como alguma coisa deixada por quem se preparava para viajar, mas as esqueceu ao partir, e não retornará de viagem.

Este texto, espero, algum dia, embrulhará um peixe, impresso em algum papel barato.

crítico sob rasura: Caio Eduardo Gabriel

read the article: https://www.artecapital.net/exposicao-697-francisco-vidal-ricardo-pinto-utopia-machine-art-ensemble-0-composicao-para-trompete-e-guitarra-portuguesa

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NAME DROP FOR THE AFRICAN INDUSTRIAL REVOLUTION | WORKSHOP WITH FRANCISCO VIDAL

Name drop for the African Industrial Revolution | Workshop with Francisco Vidal | from: MAAT

Name drop for the African Industrial Revolution

Workshop participants were invited to take part in a work in progress by artist Francisco Vidal entitled Name drop for the African Industrial Revolution. The work consists of a performance in which Vidal draws portraits of the participants in an analogy to The Artist is Present, a work Marina Abramović showed at MoMA, New York, in 2010. The performance came about in 2014, when Francisco Vidal was teaching in Luanda and, because of the lack of drawing paper, was forced to draw portraits on Xerox paper. The possibility of making copies rapidly combined with the academic notebook format opened new directions for the portrait as a useful tool for just social change.

In a second moment of the workshop, Vidal challenged the participants to discover the “backstage” of MAKA Lisboa performance, that reflects his recent line of work. Together they will reflect, design and build a reinterpretation of the performance open to the public.

Performace MAKA Lisbon | 22/10/2020

Maka in Kimbundu means conversation, an exchange of ideas and arguments: an almost discussion. Initially, the acronym MAKA stood for Lisbon Museum of African Art and Kulture. However, as museums are often deposits of spoils of war, looting and other forms of oppression, the concept evolved to Momento de Arte e Kultura Africana de Lisboa.

Thus, MAKA Lisboa is a constructive conversation about the racially motivated murder of actor Bruno Candé, in order to understand his work and his presence, and how his death is a huge loss for everyone. Humanity has lost. Racism exists and we cannot continue to discuss whether this was a racist act. MAKA Lisboa is Afro-futuristic and works in the territory of positive construction. Think about how you can build after this tragedy and raise and give visibility to the legacy of this actor.
The first lesson that an African father in the diaspora teaches his son is: "you will not be a martyr." This installation is then dedicated to Bruno Candé and his 3 children.

MAKA Lisboa is a project by Francisco Vidal and Namalimba Coelho, whose performance in the context of the Imminent Festival and Underdogs Gallery is now replicated at maat, in an adapted version.

find the article: https://www.maat.pt/en/event/workshop-francisco-vidal

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HOW I WORK: ARTIST FRANCISCO VIDAL

Photography: Rodrigo Cardoso | from: THE SPACES

Article from THE SPACES - Nov 2015

For an artist whose work talks about colonialism and mass production, Francisco Vidal’s choice of studio – a former bomb factory in Lisbon’s Oeiras suburb – seems highly charged.

The Lisbon-born artist, who is of Angolan and Cape Verdean descent, views himself as a machine and his studio as a workshop. It’s inside this cavernous space that he produced the vivid machete paintings – referencing the cotton region of Baixa de Cassanje and the bloody events that kick-started Angola’s fight for political freedom – that form the backbone of his upcoming show: Workshop Maianga Mutamba.

Ahead of the exhibition at London’s Tiwani Contemporary, we thought it fitting to see where his works were ‘manufactured’. Vidal – who represented Angola at Venice Biennale in 2015 – led us on a tour of his studio.

One of Vidal’s machete paintings, which feature brightly coloured cotton flowers. Photography: Rodrigo Cardoso | from: THE SPACES

Tell us about the history of the building?
Francisco Vidal: First it was a foundry – they made ovens, freezers and metal appliances here. When the colonial war in Angola started, they began making shells for napalm bombs. They did that through the 1960s and 70s.

I actually grew up in Oeiras, and when I was a kid in the 1980s here, the factory was no longer working. Instead it was a skate park and we’d play there. Hip hop, punk and hardcore [artists] would do concerts… It was a cultural space.

Is there a deliberate parallel between the themes of your work – the artist as a worker, and Angola’s relationship with Portugal – and your own studio space?
Definitely. The first time I painted in this space was 10 years ago: I was at school, I was 26 and I discovered that bombs and arms were made here for the colonial war. I asked my mother and father about the war, I focused on these questions and this trauma and I incorporated those ideas into my work.

Installation view of Vidal’s exhibition Workshop Maianga Mutamba, on display at Tiwani Contemporary in London. Photography: Rosella Degori / The Spaces | from: THE SPACES

Now I’m here again, at the same factory, and I know I had this line of thinking because of the space.

But the most important thing is that this vast, beautiful space could be really productive. It could be studios for artists and a school for kids from the city. We’re in peace now, and that is more important than its past…

Photography: Rodrigo Cardoso | from: THE SPACES

How do you use the physical characteristics of the factory to shape your work?
Firstly, it’s shaped my thinking: I think in series, as a line of production. I use the ‘process’ of the building, I even number my paintings, as you’ll see.

The factory is a huge space and I’m learning to use its scale and physical properties. The light here is particularly beautiful, and the floor space is enormous.

The ceilings are pretty incredible…
They are. I use them as a sort of ‘suspended canvas’. I’m learning to ‘scale-up’ my work.

Photography: Rodrigo Cardoso | from: THE SPACES

Tell us about your gallery-in-a-box, ‘U.topia Luanda Machine’.
Every culture can understand a cube. I made these cubes so I can put my studio inside them and ship it – but they can also be reconfigured to make a wall or table [or pyramid, below]. They can create a gallery space.

The Utopia part references the ‘dream’ studio – you can export yourself to another location and work. It also works like a machine: it’s a toolkit [for mass-producing] screen-prints, and it thinks about the industrial revolution still to happen in Angola.

In Luanda we need art schools, galleries and museums – [‘U.topia Luanda Machine’] produces that because when you can make walls, you can create these spaces.

What’s the best thing about your studio?
Its potential. What its future can be – it could be an art school, like the Tate, which was an industrial space too. That’s the best part of working here, thinking how it could become something constructive to society. We’re working on trying to make it into a museum or a cultural space. We’d love to do that.

find the article: https://contemporaryand.com/person/francisco-vidal/

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Photography: Rodrigo Cardoso | from: THE SPACES



Francisco Vidal: The Machine and the dream of Utopia

Francisco Vidal during this artistic Residency at Wozen 2017 - image: Lucca Miranda

Francisco Vidal was born in Lisbon, Portugal, in 1978 and currently lives and works in Lisbon.

In 2010, he received his MFA from Columbia University School of the Arts, New York following the Maumaus Independent Study Program from Maumaus School of Visual Arts, Lisbon, Portugal in 2005 and a bachelor’s degree in Fine Arts from the School of Art and Design, Caldas da Rainha, Portugal, in 2002. He feels African even though he was not born on the continent and is a product of the African diaspora in Portugal. Francisco has been working on drawings, sculpture, and installation pieces to create a universe that is not easily classified, but whose continuity reflects his viewpoint and his development as a person. His works, in various formats, are the outcome of increasingly meticulous reflection on the reality he lives in. In parallel with his own practice as a painter, Vidal has played an instrumental role in fostering the visual arts scene in Luanda. In 2012, along with Rita GT, Antonio Ole and Nelo Texeira, he founded e-studio Luanda, a Luanda-based artists’ collective, project space, and studio complex that holds regular exhibitions and runs an art education program.

Francisco Vidal’s current practice revisits the modernist idea of technology as central to the dream of utopia, represented by the machine. Tiwani Contemporary will present a site-specific installation by Vidal, produced using his utopia machine: a standard-size plywood box containing an all-in-one toolkit for the mass production of screen prints, also functioning as a papermaking device.

Joined together, these paper tiles form a modular canvas, a cardboard skin that can cover infinite surfaces. The machine was born of a response to Vidal’s own experience of migration and the challenges faced by the modern, itinerant artist. In parallel with Francisco Vidal’s practice as a painter, he has played an instrumental role in fostering the visual arts scene in Luanda. Vidal is one of the most singular artistic voices to have recently emerged from Angola, and his work was part of the official selection for the Angolan Pavilion at the 56th Venice Biennale in 2015.

find the article: https://contemporaryand.com/person/francisco-vidal/

Francisco Vidal at Wozen Residency photo: Maju

Rito de Passagem Exhibition | Change is the only constant

Kwame Sousa (ST) | Francisco Vidal (ANG / PT) | JAS (PT) | Expanded Eye (ENG) | Manuela Pimentel (PT)

Rito de Passagem | Exposição Colectiva | photo: Bruno Contin

EXPOSIÇÃO COLECTIVA: RITO DE PASSAGEM

Kwame Sousa (ST) | Francisco Vidal (ANG / PT) | JAS (PT) | Expanded Eye (ENG) | Manuela Pimentel (PT)

A mudança é a única constante. A vida é um processo de eternas transformações que ocorrem de forma gradual e sutil: ano a ano, mês a mês, dia a dia, momento a momento. Nada dura para sempre, e essa realidade nos é ao mesmo tempo maravilhosa e terrível!

Change is the only constant. Year by year, month by month, day by day, moment by moment, everything is changing. Nothing lasts forever, and this truth is both wonderful and terrible.

Os ritos de passagem são o nosso modo comum de parar e refletir sobre essas mudanças. Nos ritos de passagem, honramos o passado e traçamos um curso para o futuro, conscientes do nosso aprendizado.

A rite of passage is our way to stop together, and pay attention to change. in rites of passage we honor the past and chart a course into the future, becoming conscious about what we have learned and use this knowledge in a meaningful way.

ERITAGE faz uso dessa pausa como um sinal de alerta. Vamos marcar o fim das ideologias sociais e econômicas, que não estão alinhados com o bem estar coletivo, elevando ao reconhecimento de nós mesmos como pequenas partes de um grande todo.

ERITAGE uses this pause to come to attention. Let us mark the end of social and economic ideologies that are not aligned with collective well-being, rise to the recognition of ourselves as small parts of a great whole.

Os artistas selecionados apresentam trabalhos fundamentais que apontam na direção de um rito de passagem, uma observância da mudança, uma identidade inconstante, um apelo à ação.

The selected artists present recent and new works that point in the direction of a rite of passage, an observance of change, a shifting identity, a call to action. 

Ritos de Passagem nos ajudam a atravessar as variantes de nossa identidade, as fases da vida, os conjuntos de nossas expectativas e responsabilidades. Esta inauguração marca o início quiçá de uma nova comunidade onde mais de nós possa compartilhar, como colaboradores e companheiros: uma comunidade construída sobre os alicerces de nossa interdependência.

Rites of Passage help us sail through the multiple versions of our personality, the phases of life, the sets of expectations and responsibilities. This opening launches, perchance, the beginning of a new community where more of us can thrive both as collaborators and as companions: a community built on the foundations of our interdependence.

text in collaboration with

Joanna Hecker | Art Historian and founder of Projecto Sem Rede

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Apoio: Ponto das Artes | Quinta dos Ingleses

Rito de Passagem | Collective Exhibition